Në vitin 1930, Henri Matisse, një nga gjigantët e artit të shekullit të 20-të, e gjeti veten në një krijues dekurajues.
Në periudhën 60-vjeçare, piktori kishte 13 vjet që jetonte në Nice të Francës, pasi kishte kaluar vite në Paris si një fëmijë i tmerrshëm i botës së artit avangardë të qytetit.
I izoluar nga zhurma e skenës së pikturës së Parisit, Matisse u përqendrua në fytyrën e modeleve të femrave në ambientet e studiove të brendshme, duke u bërë modele të gjalla dhe ngjyra të ndezura nga drita e Mesdheut.
Ndërsa ra në një përsëritje stilistike, disa kritikë, së bashku me vetë Matisse, pyetën veten nëse artisti dikur radikal kishte humbur avantazhin e tij.
“Unë jam ulur disa herë për të bërë disa [pikturë],” i shkroi ai vajzës së tij, Marguerite, në vitin 1929. “Por përballë kanavacës, unë jam në raport për idetë.”
Tani, një ekspozitë e mrekullueshme, provokuese në Muzeun e Artit në Filadelfia tregon se si Matisse u çlirua nga stanjacioni i pikturës së tij në fund të vitit 1920 dhe u shndërrua në një artist dekorativ të ringjallur gjatë viteve 1930.
Matisse në vitet 1930 është ekspozita e parë e madhe që evoluon e piktorit gjatë kësaj faze të jetës së tij të krijuar është.
Prezantimi i 143, ofron një mundësi të pazakonshme për eksplorimin e procesit të eksplorimit të veprave të tij tek ai punoi me një produkt të fundit sepse artisti është shumë i madh, pasi artisti është shumë i rrezikshëm për të përballuar izolimin dhe paralizën. krijues.
Kuruar nga Matthew Affron i Muzeut të Artit të Filadelfias, Cécile Debray nga Musée de l’Orangerie, Paris dhe Claudine Grammont i Musée Matisse Nice, ekspozita udhëton në Francë në mars dhe gjatë rrugës pyet se si ecën përpara një artist pas një krijuesi?
Një studim i fundit i Americans for the Arts zbuloi se 64% e 20,000 artistëve të anketuar se shohin gjetjen e produktivitetit të tyre të krijimit të pandemisë.
Më shumë se gjysma ishte për shkak të stresit, ankthit dhe depresionit për gjendjen e botës.
Rezultati i krijuesve të pikturave të Matisse ra gjatë fillimit të një depresioni ekonomik mbarëbotëror, ngritjet e fashizmit në Evropë dhe, më shumë, një ndjenjë personale se qasja e pikturës me kavalet ishte në krijim.
Në mënyrë kronologjike, Matisse në vitet 1920 fillon me një vështrim në periudhën e Nicës, ilustruar nga Odalisque e tij epshore me pantallona gri (1927).
Një modele joshëse me pantallona haremi shtrihet në një shtrat të gjelbër, të rrethuar nga modele brilante të kuqe dhe të verdhë.
Duket se jashtë botës së zhurmshme të artit në Paris, Matisse u bë vetëkënaqur në jetën e tij, duke u kthyer nga brenda, duke pikturuar botën e studiove të brendshme në këndvështrimin tradicional.
“Fiksimi mund të luajë një rol në blloqet e krijuesve,” thotë profesori dhe eksperti i krijimtarisë së Universitetit Yale, Jonathan S Feinstein, autori i librit të mëvonshëm, Kreativiteti në kontekstin e shkallës së gjerë. Për një person krijues thotë, Feinstein për BBC Culture, një artist që ka një mentalitet të tillë, grupe, temash stilesh dhe më pas fiksohet në këtë mënyrë për të parë botën dhe për të krijuar.”
Mund të jetë e mundur të jetë psikologjikisht të thyeni fiksimin sepse kjo mënyrë dhe të menduar është përforcuar në mendjen tuaj gjatë të menduarit, në këtë rast për Matisse, qasjen e tij ndaj tij”, shton Feinstein.
Dhe kritikët në atë kohë e vunë re. Deri në vitin 1927, ata e shihnin Matisse si “piktori i plakur i odalisques”, sipas katalogut të ekspozitës, “njeriun që André Breton e përdoruesit si “një luan plak dekurajues dhe të dekurajuar”.
Për më tepër, prodhimi i tij i pikturës së kavaletit u zvogëlua dhe midis viteve 1928 dhe 1929, ai prodhoi vetëm disa vepra vaji në kanavacë, megjithatë ai ishte ende duke vizatuar dhe duke punuar në skulpturë.
Dukej sikur Matisse e kishte përvetësuar atë që kritikët po thoshin: vitet e tij më të mira si piktor renegat ishin pas tij.
E dashura e krijimtarisë Julia Cameron , libri i cilësuar është viti 1992, Rruga e Artistit, ka autoritet artistik në mbarë botën të bëjnë dhe ruajnë krijimtarinë e tire bllokimi, vëreni edhe atë që njihet si Matisse të përvetësojë artistin e mundshëm. dhe të bien në një rënie.
“Kjo është vërtet edhe komente nëse kemi pasur të bukurën në të kaluarën,” i tha ajo BBC Culture.
Një nga artistët e saj ishte i njohur në botë, disidenti Weiwei, i cili kohët e fundit në Hyde Park të Londrës duke dhënë art për të gjithë bashkëët globalë, thotë se ai kaloi një bllok të njeriut të fundit krijues kur u transferua nga njeriu kinez. . Këngëtarët në vitin 1993, pa kritikat me të cilat përballej Matisse.
Pas 10 vitesh të prodhuar të fotografisë së shquar gjatë studimeve për artin në Nju Jork, me lëvizjen e tij në vitin 1993, “u bëra shumë konfuz sepse nuk është një ndryshim i kulturës me kulturën kineze, edhe pse është i njohur dhe i njohur. e panjohur.me të”, tregon ai për BBC Culture.
“Unë në fakt doja ta shmang atë, por nuk mund të përpunojë se si.”
Ai të qëndrojë në Amerikë për të punuar përmes bllokut të tij. Por në fund të vitit 1920, kur Matisse kuptoi se kishte nevojë të rigjallëronte krijimtarinë e tij, ai filloi të udhëtonte, fillimisht në Tahiti dhe më pas në SHBA.
Artistja e instalimeve abstrakte, Judy Pfaff, e cila u ndikua shumë nga Matisse kur filloi të pikturonte në vitet 1970, thotë se makina amerikane ndihmon shumë artistë si ajo që të ringjallojë kreativitetin kur bëhet fjalë.
“Udhëtimi më ka mbajtur të ec përpara,” tha fituesi i çmimit MacArthur Foundation për BBC Culture.
“Sa herë që jam në një vend të ri, qoftë India apo Kina, kjo përfshihet në kohë.”
Gjetja e një stili të ri
Pasi bëri një kthesë nëpër SHBA me tren, në vjeshtën e vitit 1930 Matisse shkoi në Filadelfia për të takuar koleksionistin Alfred Barnes në muzeun e tij në një nga periferitë e qytetit.
Atje, Barnes u përballë lehtë me piktorin e plakur, duke vënë në dukje se pikturat e tij në Nice sensuale dhe veprat interesante, por paksa të lehta në krahasim me të mëparshmet, sipas Cynthia Carolan, docente në Muzeun Barnes, që ndodhet tani në zemër. të Filadelfias.
Barnes i ofroi Matisse një porosi: të krijojë një pikturë që do të përshtatej nën dritaret masive të harkuara në muzeun e tij të ri.
Matisse pranoi komisionin dhe, nga ana tjetër, përballë me një sfidë të madhe.
pari, ai nuk kishte krijuar diçka kaq të madhe, vëren Carolan: zona e muzeut për muralin ishte rreth 13.7 metra e gjerë dhe nevojiten tre telajo të tjera për t’u vendosur midis dy dritareve. Së dyti,
Për të filluar projektin, Matisse u kthye në një pikturë të mëparshme që ai bëri në 1910, tani e quajtur Vallja I, për dalluar nga pjesa e Barnes, e cila u quajt Vallja II.
Piktura e parë e vallëzimit duket një nga kthesat e Matisse drejt një qasje më të veçantë ndaj pikturave, duke u bërë elementët bazë të linjave, ngjyrat dhe forma.
Duke reaguar ndaj artikujve, e cila mund t’i jep detajet në mënyrë shumë më realiste se sa një piktor, “Vallëzimi I” ishte një veprim për të shtyrë pikturën për të përcjellë emocione për pamjen e duhur në vend. e një fotografie për të vërtetë realitetin e saktë.
Fotografitë, planet dhe paraprake në ekspozitë detajojnë se si Matisse punoi nga këto sfida.
Për të krijuar muralin, ai mori me qira një garazh mjaft i madh për të punuar në kanavacat e mëdha.
Duke dashur lëvizje në veprën, ai u kthye në përgjigje e tij të mëparshme për të ecur përpara dhe vendosi të rikuperojë një grup kërcimtarësh nga veprat e tij kryesore The Joy of Life (1906) si bazë për atë që do të bëhej The Dance II.
Ai fillimisht bëri një vizatim të vogël dhe e hodhi në erë për t’u përshtatur me kanavacën, por përmasat ishin të pakta, sipas Carolan.
Ai duhet të gjente një mënyrë për të skicuar vizatimin e tij në një kanavacë të madhe që do të ishte kjo është e vështirë që të fshihet piktura mbi të ose për të bërë ndryshime.
Matisse më pas kuptoi se mjetet e tij të zakonshme të bojrave dhe të vajit nuk furça të bësh vizionin e tij të gjallë, kështu që ai gjeti të reja.
Ai filloi duke përdorur një shtyllë të gjatë të bambuje të lidhur me një xhiro si një mjet të zgjatur për të skicuar formatin e kërcimtarëve.
Më pas, me kalimin e muajve, ai u përpoq të priste copa të mëdha të ngjyrosura paraprakisht dhe i mbërtheu, gjë që ndihmon për të ndryshuar ato e pjesëve. Për herë të parë, Matisse përdori një mjet arti, duke hyrë në epokën e parë të tij të njohur.
Ai gjithashtu filloi të përdorë një kamerë për të dokumentuar procesin e tij, në mënyrë që të krahasojë ndryshimet nga dita në ditë.
Matisse kaloi tre vjet në The Dance II, dhe në këtë proces shënoi një kthim në një stil modernist, duke krijuar përfundimisht një dinamikë që jeton në trupa që duket se kërcejnë nëpër sipërfaqen e absolutisht të fushave dhe blu.
“Ai ishte në gjendje të transformonte ndryshimin e tij të krijuar përmes një lloj mjedisi dhe mjeti të gjithë,” thotë Ai Weiwei.
Shumë e artistëve të njohur në një drejtim të kundërt thekson ai, dhe përdor teknika të njohura për çështje të ndryshme.
“Matisse përdor të ndryshme në mënyra subversive,” shtoi ai, në proceset e metodave të metodave për të zotëruar metodat, duke u shfaqur një gjuhë artistike që i lejoi mjeshtrit francez të hynte në një gjendje të lirë të krijimtarisë.
Seksionet e fundit të ekspozitës janë zbuluar, duke shfaqur stilin e ri të Matisse, i cili distilon pikturat në linjë të pastër dhe ngjyra të theksuara.
Për, në Yellow Odalisque të vitit 1937, mendja e Matisse nuk ishte më shumë në idetë e perspektivës dhe pamjes së një shembulli të vërtetë të brendshme.
Në vend të kësaj, piktura përmban një kompozim të rrafshuar me një vizatim nga brenda blloqeve të ndezura të verdhë, gri dhe të kuqe.
Gruaja e trupit, dekorativ në blu (1937) pasqyron gjithashtu gjuhën e re artistike të Matisse, duke u fokusuar në një ekuilibër të qetë midis linjave të zhveshura dhe lëvizjes së modelit.
Me një asistente dhe modele të re në studio, Lydia Delectorskaya, Matisse tani ishte i gjallë dhe më pak i interesuar për perspektivën e saj për të parë se si objekte ndërvepronte dhe modele.
Ai iu kthye pikturave të jetës së qetë dhe modeleve që synonin të ngjallnin emocione të pastra, zhvendosja e tij nga piktura në kanavacë në pamje dhe të copave të para letre të para-pikturuara në The Dance II ndikoi thellësisht brezat e artistëve bashkëkohorë nga Romare Bearden. te Robert Motherwell dhe Pfaff.
Në fund të fundit, ekspozita dëshmon se Matisse jetoi sipas fjalëve të tij të famshme : “Një artist nuk duhet të jetë kurrë një i burgosur i vetvetes, i burgosur i stilit, i burgosur i reputacionit apo i burgosur i suksesit”.
Kur Ai Weiwei u nga Shtetet kineze për gati tre muaj në 2011 nuk kishte asnjë mënyrë për të krijuar ai art, ka ndaluar ai.
Në vend të kësaj, ai sfidoi mendjen e tij për të gjithë njerëzit që e burgosën dhe sistemin nën të cilin ata kanë zbuluar, tha ai për BBC Culture.
“Burgimi për mua është një trajnim i veçantë për një gjuhë, një mënyrë për të folur në atë që përmendet si privim irisë”.
Ai e përballoi sfidën për të dalë me një forcë dhe perceptim të ri si të jetë krijues, duke u përballur me një punë të vështirë, sfiduese kulturore nga viti 2012 e tutje.
“Lloji i lirisë që fitova atje ishte diçka që nuk do ta kisha [zhvilluar] nëse nuk do të isha burgosur në radhë të parë,” tha ai.
Ashtu si Ai Weiwei, duke punuar nga krijimit të The Dance II, Matisse theu karantinën e mendjes së tij për të nga ana tjetër me një stil të ri revolucionar të shprehjes krijuese.
Fokusi i tij i ri, rreptësisht në linjat e thjeshta dhe ngjyrat e theksuara, më gjerësisht nga realizimi, duke folur me emocionet e tij dhe të shikuesve dhe jo thjesht me intelektin.
Shpikja e prerjeve rezultoi nga një proces i krijuesve që vazhdoi të ndikojë artistët dhe të magjepsi audiencën në shekullin e ardhshëm.