Një pikturë e vitit 1922 nga Piet Mondrian sfidoi historinë e artit, duke përcaktuar një epokë të re, shkruan Deborah Nicholls-Lee.
Gjashtë rreshta dhe pesë ngjyra ishte gjithçka që u desh për të bërë një kryevepër.
Në vitin 1922, misioni modernist dukej se kishte përfunduar.
Në Kompozimin e Piet Mondrian me Blu, të verdhë, e kuqja, e zeza dhe grija mbizotërojnë vetëm ngjyrat kryesore.
Arti perëndimor nuk ishte dukur kurrë kaq i thjeshtë apo kaq i arritshëm.
Në të njëjtin vit, piktori holandez u largua nga studioja e tij në Paris për të festuar ditëlindjen e tij të 50-të me një retrospektivë të punës së tij në Muzeun Stedelijk të Amsterdamit.
Sot, një shekull më vonë, kompozimi 56 x 63 cm i Mondrian-it me Blu, të Verdhë, të Kuqe, të Zezë dhe Gri është ekspozuar përherë në bodrumin e muzeut.
Maurice Rummens, studiues akademik në Muzeun Stedelijk, e përshkruan pikturën si “një nga majat e shtizave” të koleksionit të muzeut.
Ai sinjalizoi një transformim në stilin e Mondrian-it në pikturë.
Përfaqësimet e objekteve reale dhe përdorimi i perspektivës, të parë në peizazhet e artistit në fillim të shekullit dhe që vazhduan në periudhën e tij kubiste, nuk ishin më mjaft moderne për të.
Në vend të kësaj, ai iu drejtua abstraksionit të pastër për të komunikuar diçka më ambicioze dhe të paprekshme siç ishin cilësitë elementare dhe universale të kozmosit.
“Vijat vertikale dhe horizontale janë shprehja e dy forcave kundërshtare,” shpjegoi më vonë Mondrian në një ese të vitit 1937.
“Ata ekzistojnë kudo dhe dominojnë gjithçka; veprimi i tyre reciprok përbën “jetën”.
Mondrian synonte kombinimin e ngjyrave kryesore dhe modeleve të guximshme gjeometrike për të përcjellë lidhjen e natyrshme të natyrës në mënyrën më të distiluar dhe të drejtpërdrejtë të mundshme.
Në një letër drejtuar artistit tjetër holandez, Theo Van Doesburg, në vitin 1915, ai shkruan: “Unë gjithmonë e kufizoj veten në shprehjen e të përjetshmes dhe e bëj këtë në format më të thjeshta të jashtme, në mënyrë që të jem në gjendje të shpreh kuptimi i brendshëm sa më lehtë të jetë e mundur.”
“Mondrian ishte një pionier, në kuptimin që ai ishte shumë radikal dhe në përqendrimin e tij në vetë thelbin e imazhit,” thotë Ulf Küster, kurator i Mondrian Evolution.
“Minimalizmi është i paimagjinueshëm pa Mondrian”, tha ai për BBC Culture.
“Ai ishte një nga të parët që e bëri vërtet këtë, këtë punë krejtësisht jo-përfaqësuese… Nëse e shihni modernen si diçka që thyen të gjitha traditat dhe përcakton gjithçka të re, atëherë pikturat e Mondrian të viteve 20 janë shumë, shumë moderne.”
Megjithatë, lëvizjet e veprës revolucionare që do të vinte zbulohen në pjesët e mëparshme të Mondrian-it.
Interesi i artistit për rrjetat, linjat e theksuara dhe kompozimet me kënd të drejtë mund të shihen në peizazhet ku trungjet e pemëve prenë horizontin (1902/3) ose studimet e shumta që ai bëri për një livadh të rrethuar në 1905.
Deri në vitin 1922, Mondrian kishte adoptuar parimet e neoplasticizmit, një lëvizje arti e njohur gjithashtu si De Stijl, e cila përfshinte Mondrian, Van Doesburg, Gerrit Rietveld dhe Bart van der Leck midis anëtarëve të saj kryesorë, dhe që mbrojti kompozime të pastra, reduktuese që ishin në mënyrë të përsosur të balancuara.
Mondrian nuk e miratoi përdorimin e sfondit dhe planit të parë nga Van der Leck dhe kundërshtoi përdorimin e diagonales nga po i njëjti duke marrë një vendosmëri për të marrë estetikën në të gjithë rrugën që krijoi imazhet ikonike për të cilat ai njihet sot.
Në rrjet
Këndet e drejta, këmbënguli ai, duhet të qëndrojnë drejt dhe ngjyra tani duhej të ishte primare, dhe më së shpeshti e shtyrë deri në ekstremitete, duke i dhënë përparësi të bardhës.
Në vitin 1922, aeroplanët me ngjyra ekzistojnë në tension brenda një rrjeti lundrues të dislokuar, duke mbajtur syrin dhe pikturën në lëvizje dhe duke krijuar një përbërje që është sa e kënaqshme, njëherësh dhe shqetësuese.
Thjeshtësia e pjesës së përfunduar hedh poshtë krijimin e saj të ngadaltë dhe të mundimshëm.
“Unë jam duke kërkuar për harmoninë e duhur të ritmit dhe proporcionin e pandryshueshëm,” i shkroi ai Van Doesburgut në 1919. “Nuk mund t’ju them se sa e vështirë është.”
Për Mondrian, megjithatë, ekuilibri nuk nënkuptonte përsosmërinë.
Një ndjenjë e piktorit pas veprës ishte gjithashtu e rëndësishme.
Në “Kompozicioni me blu, të verdhë, të kuqe, të zezë dhe gri”, ngjyra rrjedh përtej rrjetës së pikturuar në mënyrë të papërsosur (thuhet se Mondrian nuk përdori një vizore), duke kërcënuar të pushtojë kanavacën e bardhë.
Na kujtohet pjesa e piktorit në realizimin e një kryevepre dhe ndërthurja e dy elementëve kundërshtarë që ai i shihte si qendrore në veprën e tij: “individual” dhe “universal”.
Pavarësisht qasjes ortodokse dhe të matur të Mondrian-it ndaj artit të tij, ishte kjo anë njerëzore, “individuale” që tërhoqi shoqërinë bohemiane në studion e tij të tymosur në Paris në “26 Rue du Départ”, një vepër e gjallë arti e shtruar sipas parimeve neoplazike.
“Nuk ishte aspak e vërtetë që ai ishte i izoluar,” tha Caro Verbeek, kurator në Kunstmuseum Den Haag, ku ndodhet koleksioni më i madh në botë i veprave të Mondrian.
“Ai ishte një person shumë karizmatik… Ai kishte një sens humori, i pëlqente të shoqërohej me njerëz. Ai i donte gratë dhe gratë e donin atë.”
Rrethi i miqve të Mondrian përfshinte balerinën, këngëtaren dhe aktoren Josephine Baker, të cilën ai e shihte si një shpirt të afërm.
Ai e mbushi studion e tij me tingujt e xhazit dhe u zhyt në jetën kulturore dhe intelektuale të Parisit, duke shkuar në kinema, duke marrë mësime kërcimi dhe duke ndjekur koncerte.
Kjo dashuri për muzikën, në veçanti, solli një dimension shpesh të anashkaluar në pikturat e Mondrian-it, të eksploruara aktualisht në ekspozitën Mondrian Moves të Kunstmuseum Den Haag.
Aplikacioni i muzeut bashkon muzikën dhe pikturat, duke treguar se si pozicionimi i ngjyrave përsërit rrahjet dhe hapat e kërcimit që Mondrian dinte aq mirë, me zonat e zeza, të bardha dhe gri që tregojnë jo tone ose zhurmë.
“Mondrian mund të dëgjonte, të kërcente dhe të vizualizonte neoplasticizmin”, tha Verbeek për BBC Culture.
“Të gjitha pikturat e tij neoplazike ishin shumë muzikore.”
Verbeek shpreson ta çojë përvojën një hap më tej me “Clapping” në ritmin e Piet, një turne i cili do të përdorë ritme kërcimi dhe duartrokitjeje për t’i afruar të gjithë, përfshirë personat me shikim të dëmtuar, më afër punës së Mondrian.
Ishte viti 1922 kur Mondrian e bëri më të qartë lidhjen midis artit dhe muzikës.
Pa dyshim, i ndikuar nga “koncerti i zhurmës” eksperimental që kishte parë vitin e kaluar nga futuristi Luigi Russolo, Mondrian propozoi një “promenoir”, një hapësirë koncerti ku projeksionet abstrakte, elektrike me ngjyra, të ashtuquajturat “ngjyra të tingullit”, do të kombinoheshin me muzikën për të krijuar një përvojë gjithëpërfshirëse.
Ky angazhim shumëshqisor me artin, shpjegon Verbeek, është i ftuar gjithashtu në Kompozimin e Mondrian-it të vitit 1922 me Blu, të Verdhë, të Kuqe, të Zezë dhe Gri sapo të vlerësoni muzikalitetin e tij.
“Ajo që më pëlqen në këtë kompozim është se si ai ndryshon ndjenjën tuaj të vertikalitetit dhe horizontalitetit. Nuk është vetëm që ju lëvizni sytë, por gjithashtu ndryshon e gjithë mendësia juaj… në të njëjtin plan,” thotë ajo.
“Kështu duhet ta shikoni një Mondrian. Jo si një foto që skanoni, por si një ndryshim në drejtim, në lëvizje, në ritëm, në ritëm.”
Edhe goditjet e penelit përjetësojnë lëvizjen, shpjegon Verbeek.
Rrafshi i hollë vertikal i verdhë, për shembull, është pikturuar në mënyrë kundërintuitive, me goditje horizontale të mundimshme, duke krijuar atë dualitet dhe kundërshtim karakteristik, ndërsa në të njëjtën kohë na kujton individin, dorën e palëkundur të artistit, brenda universales.
Edhe të vlerësuara në nivelin e tyre më sipërfaqësor, rrjetet tërheqëse dhe menjëherë të dallueshme të Mondrian-it kanë lënë një përshtypje të qëndrueshme, duke inkurajuar dhe demokratizuar botën e artit dhe duke ngritur statusin e grafikës dhe gjeometrisë.
Ne shohim ndikimin e paletës së ngjyrave dhe këndeve të mprehta të Mondrian-it në Pop Art të Lichtenstein-it dhe jehonën e tabelave të tij në mozaikët e pikturuar të Gerhard Richter.
Arkitektët nga Sllovakia në SHBA ende eksperimentojnë me parimet e De Stijl, dhe markat e modës si Yves Saint Laurent, Hermès, Moschino dhe madje edhe Nike kanë sjellë të gjitha rrjetet e Mondrian-it në jetë në pistat e tyre.
Në muzeun Stedelijk, ku një shekull më parë Mondrian ngriti një gotë me miqtë, kryevepra e vitit 1922 qëndron e pafajshme, me katrorin e bardhë qendror që shikon bosh vizitorët kalimtarë, duke e drejtuar vështrimin e tyre në një udhëtim të përhershëm brenda dhe rreth tij.
A është vepra një model, një pikturë, një dizajn apo një kërcim?
Për ata që e dinë, ka muzikë brenda, por shumica thjesht shikojnë me kureshtje.
Ngjyrat duket se ikin nga korniza dhe linjat e papërfunduara të rrjetit vazhdojnë të ngacmojnë.
“Unë mendoj se ai thjesht donte ta mbante imazhin sa më të hapur të ishte e mundur,” mendon Ulf Küster i Beyeler. “Të gjithë artistët e mirë bëjnë më shumë pyetje sesa japin përgjigje.”